3D-Artist zu sein reicht nicht mehr aus

Ein Gespräch mit Jordan McBarnett

Bei der Diskussion über KI im 3D-Bereich geht es oft um Tools. Aber dort findet die eigentliche Veränderung nicht statt.

Wir haben mit Jordan McBarnet (Instagram: @jordan_motion) gesprochen – einem Motion Designer, dessen Arbeiten Marken und Künstler wie Samsung, Diplo, die National Football League und Volkswagen umfassen – darüber, wie er angefangen hat, warum er KI anfangs nicht ernst nahm und was sich gerade wirklich in der Branche verändert.

Für ihn geht es bei diesem Wandel nicht darum, dass KI 3D ersetzt. Es geht darum, neu zu definieren, was einen Kreativen überhaupt wertvoll macht.

Fangen wir ganz von vorne an – wie bist du zum Motion Design gekommen?

Ich habe am Ringling College of Art and Design Motion Design studiert. Danach habe ich einen Job bekommen, wurde aber 2024 entlassen, und dann habe ich mich einfach voll aufs Freelancing konzentriert.

Am Anfang lief es nicht wirklich, bis ich anfing, konsequent meine Arbeiten zu posten.

Ich habe 30 Tage lang jeden Tag gepostet und dann vier- bis fünfmal die Woche weitergemacht. Ab da habe ich Aufträge bekommen.

Du sprichst ziemlich offen über KI. Wie bist du überhaupt dazu gekommen?

Ich war anfangs gar nicht wirklich in KI interessiert.

Dann habe ich diesen Typen gesehen, Karsten Winegeart, auf Instagram. Er hat ursprünglich als Videograf/visueller Creator gearbeitet. Er hat diese Kobe-x-Nike-Spec-Ad mit KI gemacht, und das war einfach – heilige Scheiße, das geht wirklich.

Da hat es bei mir Klick gemacht. Mir wurde klar, dass KI nicht automatisch schlechte Arbeit bedeutet. Man kann sie tatsächlich künstlerisch leiten, eine Geschichte erzählen – es geht alles um die Umsetzung.

Es ist im Grunde einfach eine weitere Form von Motion Design.

Wie sieht deine Arbeitsaufteilung gerade aus: Wie viel ist 3D und wie viel ist KI?

Der Großteil meiner tatsächlichen Kundenarbeit dieses Jahr war 3D. KI war eher für Spec Ads oder zum Experimentieren.

Aber ich sehe, wo sie reinpasst, auch in kleinen Dingen. Zum Beispiel um Teile des Workflows zu beschleunigen oder repetitive Aufgaben zu vermeiden.

Und langfristig weiß ich, dass ich auch dafür gebucht werde – nicht nur als 3D-Artist, sondern auch für die kreative Seite.

Was würdest du jemandem raten, der heute ins Motion Design einsteigen will?

Das hängt davon ab, was du eigentlich machen willst, denn Motion Design ist riesig.

Du musst Creator finden, die dir gefallen, und verstehen, warum dir ihre Arbeit gefällt.

So habe ich angefangen – Tutorials nachgemacht, die Grundlagen gelernt.

Nutz, was du hast. Wenn du kein Geld hast, nutz Blender. Das ist egal.

Und wenn du KI nutzen willst, integrier sie.

Aber es fängt immer damit an, was du erschaffen willst.

Gehen Kunden Projekte inzwischen anders an, wegen KI?

Nicht wirklich in großem Stil.

Manche sind offen dafür, manche nicht – kommt aufs Unternehmen an.

Für mich geht es nicht darum, KI oder 3D zu pitchen.

Ich pitche ein visuelles Konzept, das etwas kommuniziert. Ich konzentriere mich darauf, das Problem zu lösen.

Wenn KI hilft, super. Wenn nicht, nehmen wir was anderes.

Welche Skills werden gerade wertvoller oder weniger wertvoll?

Wenn du nur eine sehr spezifische Fähigkeit hast, wird es schwieriger. Wenn du zum Beispiel nur Modeler bist ... viel Glück.

Was jetzt mehr zählt, ist kreative Leitung. Zu wissen, wie man etwas erschafft und eine Idee kommuniziert. Nicht nur die Umsetzung.

Wo siehst du die Branche hingehen?

Ich denke, sie wird viel mehr creator-basiert.

Es wird immer noch große Studios geben, aber Unternehmen fangen an, einzelne Leute für ihre Ideen zu buchen.

Menschen mit einer eigenen kreativen Vision, die schnell liefern und wirklich überzeugen können.

Man sieht es schon: Creator wie Lenny Bartholomäus (@lenny_motion) oder James Choe (@jameschoe) verdienen gerade mehr als Studios.

Und das liegt einfach daran, dass sie zuverlässig sind, einen eigenen Stil haben und wissen, wie man liefert.

Interessant, dass du das sagst, denn wir haben beobachtet, dass Marken Artists jetzt tatsächlich taggen und ihnen Credits geben. Es fühlt sich an, als würde dieser Wandel sichtbarer und wichtiger werden – dass Marken Artists auf diese Weise unterstützen.

Ja, das stimmt total. Und es ergibt Sinn, denn am Ende des Tages kaufen sie nicht mehr nur die Umsetzung. Sie kaufen eine Perspektive.

Deshalb taggen sie dich, deshalb geben sie dir Credits. Das ist jetzt Teil des Werts.

Sie buchen Creator dafür, wer sie sind – ihr Geschmack, ihre Ideen, ihre Herangehensweise – nicht nur für das reine Ergebnis.

Wenn sich die Dinge also in diese Richtung entwickeln, was bedeutet das für Artists heute? Wie sollten sie sich positionieren?

Konzentrier dich nicht nur darauf, ein 3D-Artist zu sein.

Konzentrier dich darauf, deine eigenen Ideen, deine eigenen Pitches, deine eigene Richtung zu entwickeln.

Denn die besten Projekte, die ich hatte, kamen von Leuten, die mich für mich gebucht haben – nicht, um in eine Pipeline zu passen.