Être artiste 3D ne suffit plus

Une conversation avec Jordan McBarnett

Quand on parle d'IA dans la 3D, on se concentre souvent sur les outils. Mais ce n'est pas là que se joue le vrai changement.

Nous avons échangé avec Jordan McBarnet (Instagram : @jordan_motion) — un motion designer dont le travail couvre des marques et artistes comme Samsung, Diplo, la National Football League et Volkswagen — sur ses débuts, pourquoi il n'a pas pris l'IA au sérieux au départ, et ce qui change vraiment dans l'industrie en ce moment.

Pour lui, ce tournant ne concerne pas le remplacement de la 3D par l'IA. Il s'agit de redéfinir ce qui rend un créatif précieux.

Commençons par le début : comment es-tu arrivé au motion design ?

Je suis allé au Ringling College of Art and Design pour étudier le motion design. Ensuite j'ai trouvé un emploi, mais j'ai été licencié en 2024, et j'ai décidé de me lancer à fond dans le freelancing.

Au début, ça ne marchait pas vraiment, jusqu'à ce que je commence à poster mon travail régulièrement.

J'ai posté tous les jours pendant 30 jours, puis j'ai continué à raison de quatre ou cinq fois par semaine. C'est là que les opportunités ont commencé à arriver.

Tu parles assez ouvertement de l'IA. Qu'est-ce qui t'y a amené au départ ?

Au début, l'IA ne m'intéressait pas vraiment.

Puis j'ai vu ce type, Karsten Winegeart, sur Instagram. À l'origine, il travaillait comme vidéaste / créateur visuel. Il a réalisé une pub spec Kobe x Nike avec de l'IA, et là, ça a fait — putain, c'est vraiment possible.

C'est là que le déclic s'est fait pour moi. J'ai réalisé que l'IA ne veut pas automatiquement dire du mauvais travail. Tu peux vraiment la diriger artistiquement, raconter une histoire — tout est une question d'exécution.

C'est fondamentalement juste une autre forme de motion design.

Où en est ton travail en ce moment : quelle part de 3D et quelle part d'IA ?

La majorité de mon travail client cette année a été en 3D. L'IA, c'était surtout pour des pubs spec ou pour expérimenter.

Mais je vois où elle a sa place, même à petite échelle. Genre pour accélérer certaines parties du workflow ou éviter les tâches répétitives.

Et à long terme, je sais que je serai aussi embauché pour ça — pas juste comme artiste 3D, mais aussi pour le côté créatif.

Que dirais-tu à quelqu'un qui veut se lancer dans le motion design aujourd'hui ?

Ça dépend de ce que tu veux vraiment faire, parce que le motion design, c'est immense.

Tu dois trouver des créateurs que tu aimes et comprendre pourquoi tu aimes leur travail.

C'est comme ça que j'ai commencé — en copiant des tutoriels, en apprenant les bases.

Utilise ce que tu as. Si tu n'as pas d'argent, utilise Blender. Peu importe.

Et si tu veux utiliser l'IA, intègre-la.

Mais tout commence toujours par ce que tu veux créer.

Est-ce que les clients abordent les projets différemment à cause de l'IA ?

Pas vraiment de façon marquée.

Certains sont ouverts à ça, d'autres non — ça dépend de l'entreprise.

Pour moi, il ne s'agit pas de vendre l'IA ou la 3D.

Je vends un visuel qui communique quelque chose. Je me concentre sur la résolution du problème.

Si l'IA aide, tant mieux. Sinon, on utilise autre chose.

Quelles compétences deviennent plus ou moins précieuses en ce moment ?

Si tu n'as qu'une seule compétence très spécifique, ça devient plus difficile. Genre si tu es juste modéliste... bonne chance.

Ce qui compte plus maintenant, c'est la direction créative. Savoir créer quelque chose et communiquer une idée. Pas juste l'exécution.

Où vois-tu l'industrie se diriger ?

Je pense qu'elle devient beaucoup plus axée sur les créateurs individuels.

Il y aura toujours de gros studios, mais les entreprises commencent à embaucher des individus pour leurs idées.

Des gens avec leur propre vision créative, capables de livrer vite et de vraiment convertir.

Tu le vois déjà : des créateurs comme Lenny Bartholomäus (@lenny_motion) ou James Choe (@jameschoe) gagnent plus que des studios en ce moment.

Et c'est simplement parce qu'ils sont fiables, qu'ils ont leur propre style et qu'ils savent livrer.

C'est intéressant que tu dises ça, parce qu'on a remarqué que les marques commencent vraiment à taguer et créditer les artistes. On sent que ce changement devient plus visible, et qu'il est de plus en plus important pour les marques de soutenir les artistes de cette façon.

Oui, c'est très vrai. Et ça a du sens, parce qu'au final, elles n'achètent plus juste de l'exécution. Elles achètent un point de vue.

C'est pour ça qu'elles te taguent, qu'elles te créditent. Ça fait partie de la valeur maintenant.

Elles embauchent des créateurs pour ce qu'ils sont — leur goût, leurs idées, leur façon d'aborder les choses — pas juste pour le résultat en lui-même.

Si c'est la direction que prennent les choses, qu'est-ce que ça signifie pour les artistes aujourd'hui ? Comment devraient-ils se positionner ?

Ne te concentre pas juste sur le fait d'être artiste 3D.

Concentre-toi sur la création de tes propres idées, tes propres pitches, ta propre direction.

Parce que les meilleurs projets que j'ai eus venaient de gens qui m'embauchaient pour moi — pas pour rentrer dans une pipeline.